W. A. Mozart: Sonata K 304 en Mi m para violín y piano:

Las Sonatas para violín y piano

• En la larga y compleja historia del dúo para violín y piano, las obras de la madurez de Mozart fueron las primeras en establecer las normas definitivas de la moderna sonata para violín y piano. La síntesis y el equilibrio de los dos instrumentos parecen haber sido una ardua tarea, durante cerca de un siglo, las diversas tentativas fueron de un extremo a otro, favoreciendo alternativamente a uno de los instrumentos a costa del otro.

• Mozart fue el primero en establecer un verdadero diálogo entre los dos partenaires(compañeros), elevándose gradualmente, desde la conversación galante de salón de las primeras sonatas de Mannheim, hasta las amplias cantinelas dramáticas de las Sonatas K 454 y 481 y, hasta lo contrapuntístico de la Sonata K 526.

• El catálogo completo de Köchel menciona unas cuarenta y tres Sonatas para violín y piano, mientras que las corrientes ediciones actuales no ofrecen más que diecisiete, más dos Temas con Variaciones. Esto se debe al hecho que solamente las obras más tardías, son las que corresponden al ideal moderno del dúo para violín y piano.

• Köchel Verzeichnis (KV),catálogo cronológico – temático de las obras completas de W. A. Mozart fue creado por Ludvig Ritter von Köchel (1800-1877).

• Las dieciséis primeras Sonatas de Mozart, son fruto de su más tierna infancia, pertenecen al tipo, de <Sonata para teclado con acompañamiento de violín>. Las cuatro primeras K 6 a 9 fueron escritas en París en Enero de 1764 (con ocho años) y publicadas el mismo año, agrupadas por parejas como Op. 1 y Op. 2.Las seis Sonatas siguientes K 10 a 15 fueron terminadas en Londres en Noviembre de 1764 y aparecieron en 1765 con una dedicatoria a la reina Carlota. Una nueva serie de seis Sonatas K 26 a 31 fue terminada en La Haya en Febrero de 1766, en respuesta a un encargo y apareció impresa al mes siguiente. Después Mozart no escribió nuevas Sonatas para teclado (con o sin violín) durante al menos siete años.

• Las seis Sonatas “milanesas” K 55 a 60 publicadas en 1804 como obras póstumas, son de incierta y discutida autenticidad, no existen de ellas ni manuscrito ni mención en la correspondencia de Mozart, y su atribución no puede hacerse sino por razones de evidencia estilística.

• Entre las veintiuna Sonatas restantes, todas pertenecientes a la madurez de Mozart, cuatro se omiten generalmente: la K 372 en Si b M (comenzada en Viena en Marzo de 1781) no comprende más que un primer movimiento inacabado; las dos Sonatas en Do M K 403 y K 404 (Viena finales de 1782) están incompletas; y la Sonata en Si b K 570, en realidad es una sonata para piano.

• Las diecisiete Sonatas, más los dos Temas con Variaciones, se pueden dividir en varios grupos:

• Siete Sonatas compuestas durante la primera mitad de 1778. Cuatro de estas Sonatas llamadas <Palatinas> (K 301, 302, 303 y 305) fueron escritas en Mannheim, las otras dos en París (K 304 y 306), la séptima Sonata de este período (K 296 en Do M) terminada en Mannheim.
• Del siguiente grupo de cinco Sonatas, una data de Salzburgo (K 378 en Si b M) a comienzos de 1779 y cuatro Sonatas escritas en Viena durante el verano de 1781 (K 376, 377, 379 y 380).

• El tercer grupo de Sonatas son obras inacabadas que Mozart esbozó a finales de 1782 con intención dedicarlas a su joven esposa Costanza (K 402, 403 y 404), pero de este proyecto no salió nada.

• El cuarto grupo, corona toda la producción mozartiana en el campo del dúo instrumental y comprende tres obras maestras que establecen la norma de las grandes Sonatas de Beethoven y de sus sucesores. Estas Sonatas vieron la luz en ocasiones particulares y en fechas diversas. La Sonata en Si b K 454 del 21 de Abril de 1784; la Sonata en Mi b M K 481 del 12 de Diciembre de 1785; y la Sonata en La M K 526 del 24 de Agosto de 1787.

• Existe finalmente una Sonatina aislada en Fa M K 547 acabada el 10 de Julio de 1788, escrita con una finalidad educativa contemporánea de la Sonata para piano en Do M K 545.

• Sonata K 304 en Mi m para violín y piano:

• Escrita en París en Mayo de 1778, publicada en París el mismo año. Es la única que adopta una tonalidad menor. Precede a la Sonata para piano en La m K 310. La desdichada soledad de Mozart en París, cuyo frívolo público no acogía sus obras con entusiasmo, se refleja en los sentimientos patéticos de esta bella Sonata.

• Mozart se conforma con dos movimientos:

• I. Allegro en Mi m, compás de 2/2, forma Sonata, utiliza de una forma elocuente el contrapunto.

• II. Tempo di Minuetto, con un Trío en Mi M y con una recapitulación en modo menor, compás de 3/4.

• Intérpretes de la grabación:

• Gil Shaham, violín (nacido el 19 de Febrero de 1971, violinista americano de origen israelí).

• Orli Shaham, piano (nacida el 5 de Noviembre de 1975, hermana de Gil Shaham).
  
  
  
  

R. Schumann: Concierto para piano y orquesta en La m Op. 54

• R. Schumann (Zwickau (Sajonia) 1810 – Endenich (cerca de Bonn 1856).

• Para contentar a su padre emprendió los estudios de leyes en Leipzig 1829, sin tomarlos muy en serio. Después pasó a la Universidad de Heidelberg, sin que mejoraran sus estudios. Su verdadera ambición era llegar a ser un buen pianista.

• En el otoño de 1830 gracias al consentimiento de su madre, Schumann comenzó a estudiar el piano en Leipzig bajo la dirección de Friedrich Wieck (padre de Clara, la que sería su mujer años después).

• Schumann aplicó la palabra <concierto> a sólo tres obras de las muchas que compuso: el Concierto para piano Op. 54, el Concierto para violoncello Op. 129 y el Concierto para violín que se publicó después de su muerte.

• Todos los conciertos de Schumann están en tonalidades menores, a pesar de la observación que él mismo hizo en un artículo: “las cuatro quintas partes de los conciertos más recientes que hemos examinado para nuestros lectores están escritos en menor. Casi es de temer que la triada mayor desaparezca definitivamente de nuestro sistema musical”

• A comienzos de 1841 Schumann compone para Clara una Fantasía en La m para piano y orquesta. Esta pieza es la que se convertirá en el primer movimiento del Concierto para piano, terminado en 1845 y dedicado al pianista Ferdinand Hiller.

• Estrenado el 1 de Enero de 1846 en la Gewndhaus de Leipzig con Clara Schumann al piano.

• En una carta a Clara escribía Schumann: “Esta obra es algo entre sinfonía, concierto y gran sonata. Sabía que no podía escribir un concierto para virtuosos”. Según el propio Schumann una especie de poema musical en el que el piano concurre, acordado con una orquesta transparente, nunca invasor, dialogando fácilmente con cada grupo de instrumentos.

• Concierto para piano y orquesta en La m Op. 54

• Acompañamiento: cuerda, maderas a dos, dos trompas, dos trompetas y timbales.

• I. Allegro affetuoso en La m, compás de C, comienza con una larga frase que introduce el óboe, desarrollada en acordes por el piano. Este espléndido tema domina todo el primer movimiento que podría describirse como una serie de variaciones. Además, Schumann enriqueció este tema con dos motivos secundarios.

• II. Intermezzo (Andante grazioso) en Fa M, compás de 3/4, tiene la forma de lied en tres partes. Comienza con un diálogo entre el piano y la cuerda. La parte central tiene una fascinante melodía para violoncello.

• III. Finale (Allegro vivace) en La M, compás de 3/4, en forma de sonata, con dos temas, el primero sale del motivo principal del movimiento inicial, el segundo se desarrolla sobre cortados contratiempos.

• Intérprete de la grabación: Claudio Arrau, piano (Chile 1903 - Austria 1991).
  
  
  
  

W. A. Mozart : Sonata KV 330 en Do M

• Wolfgang Amadeus Mozart (Salzburgo 1756 – Viena 1791).

• Mozart esperó mucho antes de abordar el delicado género de la sonata para piano. De dimensiones más reducidas que la obra sonatística de un Haydn o un Beethoven, las sonatas de Mozart mezclan influjos vieneses con alemanes e italianos; resumen el ciclo histórico evolutivo de Scarlatti y Johan Christian; sirven de antecedente a Beethoven y Schubert y añaden un carácter nuevo que ponen en evidencia el dramatismo mozartiano. Señalar además que cada serie de sonatas que publicará, estará separada por un intervalo de tiempo relativamente largo:

• Las seis Sonatas KV 279 a 284 escritas en Salzburgo son de 1774 (la última fue concluida en Munich en 1775)

• Las siete Sonatas siguientes: KV 309 y K 310 (Mannheim 1777), KV 310, KV 330, KV 331, KV 332 y KV 333 (París 1778)

• Entre 1778 y 1784 Mozart abandona casi totalmente la sonata para piano. En 1784 escribe una única sonata, la Sonata KV 457 en Do m (escrita en Viena)

• Habrá que esperar a 1788 y 1789 para que aparezca una última serie: KV 533 y KV 545 (Viena 1788), KV 570 y KV 576 (Viena 1789)

• Todas estas sonatas tienen tres movimientos y Mozart adopta a menudo la forma convencional de un movimiento lento rodeado por dos movimientos vivos, siendo generalmente el último un Rondó y el primero un Allegro de sonata, es decir, basado en la Exposición, Desarrollo y Reexposición de los dos temas, tratados a veces con una gran libertad formal.

• En tres de sus sonatas, Mozart se aleja del esquema tradicional: Sonata KV 282 que comienza con un Adagio, seguido de dos Minuettos y de un final Allegro; la Sonata KV 284 que comienza con el habitual Allegro de sonata, pero cuyo movimiento lento es un Rondó en Polonesa y el Final es un Andante seguido de doce variaciones; y la Sonata KV 331 en La M que comienza con un tema variado (Andante grazioso con seis variaciones), seguido de un Minuetto con su Trío y para concluir un Allegro alla turca (llamado también Marcha Turca).

• Sonata KV 330 en Do M escrita en el verano de 1778 en París, contiene una notable riqueza melódica.

• I. Allegro moderato en Do M, compás de 2/4, forma sonata.

• II. Andante cantabile en Fa M, compás de ¾, escrito en forma de lied, con una parte central en Fa m.

• III. Allegretto en Do M, compás de 2/4, es en cierto modo una especie de Rondó tratado como un movimiento de sonata con varios temas.

• Intérprete de la grabación:
  
  
  

  • Daniel Barenboim, piano (Pianista argentino nacionalizado israelí, nacido en 1942) 

  
  
  

F. J. Haydn - Sonata Hob. XVI: 50 en Do M

• Franz Joseph Haydn (Rohrau (Baja Austria) 1732 – Viena 1809).

• La segunda mitad del siglo XVIII fue un período de fermentos políticos y culturales. Esta inestabilidad se reflejó sin dudad en la música. Florecieron de modo simultáneo muchas corrientes diversas, la expresión emocional (Empfindsamkeit), el estilo galante, el temprano romanticismo, el movimiento Sturm und Drang (la tormenta y la pasión).

• Dentro de la inmensa obra de Haydn, la producción pianística no es menor a la producción sinfónica o de cámara. Compuso ciento seis Sinfonías, sesenta y ocho cuartetos, cerca de sesenta sonatas para teclado (las primeras destinadas naturalmente al clavecín), a lo que hay que añadir diversas piezas de gran valor como variaciones.

• El maestro de Eszterhaza dio a la sonata una forma de recursos variados e infinitos, gracias a su maravillosa espontaneidad, a su libertad, para quien la forma no fue nunca algo prefabricado, fijo, sino más bien un molde flexible al servicio del pensamiento y la expresión.

• La obra de Karl Philipp Emmanuel Bach (1714-1788) marcó profundamente a Haydn por quien éste sentía una gran admiración. También la influencia de D. Scarlatti (1685-1757) se manifiesta sobre todo en el plano de la escritura y la melodía. Por otra parte las primeras obras de Haydn llevan la huella de G. C. Wagenseil (1715-1777), intérprete y compositor vienés para teclado.

• El primer intento serio para editar todas las sonatas para teclado de Haydn lo llevó a cabo Karl Päsler (1863-19??), publicándolas Breitkopf & Härtel poco tiempo después una vez acabada la Primera Guerra Mundial. Päsler presentó cincuenta y dos sonatas en orden cronológico, el cual tomó Anthony van Hoboken (1887-1983) en su catálogo temático de las obras de Haydn, en el que aparecen enumeradas formando el grupo XVI.

• Mencionar la edición realizada por Chrsita Landon (1921-1977) en los años sesenta y publicada por la Universal Edition (UE).

• La forma sonata, según la definían los libros de consulta del siglo XIX, con su tema principal y <adecuado>, su segundo tema de carácter de transición y contrastado, muy raras veces aparece en las sonatas de Haydn. En determinadas ocasiones, sus exposiciones contienen varios temas, pero en muchísimos casos son monotemáticas, derivándose todas las ideas principales del primer tema.
  
  

• Sonata Hob. XVI: 50 en Do M se imprimió en Inglaterra alrededor de 1800. En la portada se lee lo siguiente: <Gran Sonata para el Piano Forte compuesta expresamente por Haydn para Mrs. Bartolozzi y a ella dedicada>.

• El primer movimiento es uno de los movimientos de sonata monotemáticas más impresionantes de toda la obra de Haydn. Ningún otro compositor habría podido concebir el inicio de esta Sonata con una tensión en sus notas sueltas en Staccato, que crean un ímpetu que acaba con un estallido en forte, después de una pausa (compás 7):
  
  
   
  
  
• El Desarrollo contiene admirables polifonías, que se derivan en parte del estilo fugado de los cuartetos. Además explota otros aspectos del tema cuando la mano izquierda lo toca en legato y PP, con el <pedal abierto> y de nuevo en La b (compás 73). En la Reexposición, el efecto del <pedal abierto> suena casi como en estilo impresionista (compás 120):
  
  
  

  
  En este excepcional movimiento hay con frecuencia gran cantidad de material secundario, de una marcada intensidad emocional y muchos matices sutiles, como las armonías que subyacen bajo el pasaje polifónico de los compases 37 a 41.
  
  
  • I. Allegro en Do M, compás de C.
  
  
  • II. Adagio en Fa M, compás de 3/4
  
  
  • III. Allegro molto en Do M, compás de 3/4
  
  
• Intérprete de la grabación:

• Lang Lang, piano (Pianista chino nacido en 1982)
  
  
  
  

S. Prokofiev: Sonata nº 7 Op. 83 en Si b M

• Serguei Prokofiev (Santsovka / Ucrania) 1891 – (Nikolina Nora /cerca de Moscú) 1953).

• Precozmente dotado para el piano y la composición, entró a los catorce años en el Conservatorio de San Petersburgo, donde recibió una formación musical completa: piano (Winckler y Essipova), armonía (Liadov), composición (Rimski-Korsakov), dirección de orquesta (Tcherepnine).

• Se afirmó pronto en un lenguaje estético revolucionario y de una gran aspereza armónica y rítmica. A partir de sus primeras composiciones para piano, llamó la atención por su técnica y su sentido el tratamiento del piano (a menudo comparable al de Bartók).

• Es en sus nueve Sonatas para piano donde dio el máximo de sus posibilidades. Su estilo pianístico se caracteriza por una poderosa y <motórica> articulación, por su arte de acordes martillados, su amor a los ritmos de danzas preclásicas, a los ritmos de marcha, y a una utilización frecuente del paralelismo de las manos, mientras que su escrituras combina hábilmente la armonía y la polifonía.

• Sus Sonatas nº 5, 6 y 8, llamadas <de guerra> compuestas entre 1939 y 1943, son sin duda las más importantes y originales que se han escrito en el siglo XX. En ellas encontramos una densidad armónica que muchas otras del periodo soviético no siempre poseen. Este estilo pianístico ha marcado en su juventud a virtuosos como Sviatoslav Richter y Emil Guilels. El mismo Prokofiev efectuó varias grabaciones de sus obras para piano.

• Entre 1907 y1909, cuando todavía era alumno del Conservatorio, Prokofiev escribió seis sonatas para piano, de las que ninguna fue publicada tal cual. Dos de ellas se han perdido y en cuanto a las otras cuatro su material ha sido reutilizado en otras obras.

• Sonata nº 7 Op. 83 en Si b M: acabada en 1942, es la más célebre de las nueve y una de las obras más relevantes del siglo XX. Una mezcla de angustia, de rabia y de momentos pensativos y líricos. Estrenada en 1942 por el pianista ruso Sviastoslav Richter.

• Allegro inquieto – Andantino – Allegro – Andantino –Allegro inquieto. Compás de 6/8. No lleva indicación de tonalidad.

• Andante caloroso. Compás de 3/4. Se reparte entre Mi M y La b M.

• Precipitato. Compás de 7/8. Tonalidad de Si b M en la que esta sonata es designada globalmente.
  
  

• Intérprete: Nikolai Petrov, piano.

M. Ravel: Gaspard de la nuit

• Maurice Ravel (Ciboure (cerca de San Juan de Luz) 1875 – París 1937).

• Alumno de composición de G. Fauré (1845-1924). Ravel funde de manera personal la técnica pianística de Liszt con el régimen armónico de C. Debussy (1862-1918). Ravel debió abrirse camino en un medio dominado por el maestro. Impulsó el sello de su propio enfoque clasicista al idioma impresionista.

• El desarrollo artístico de Ravel fue grandemente estimulado por su amistad con un grupo de poetas (S. Mallarmé 1842-1898, P. Verlaine 1844-1896, A. Rimbaud 1854-1891), pintores (P. Cézanne 1839-1906, V. van Gogh 1853-1890) músicos de vanguardia que creían en sus dotes mucho antes de que el mundo entero lo reconociera. Compartían la debilidad o manía por el arte chino.

• Ravel, a igual que Debussy, se vio profundamente conmovido por el estallido de la guerra de 1914. Con el paso de la década de 1920, comenzó para el compositor, lo mismo que para el mundo de su alrededor, un período de depresión. De ahí que le resultara cada vez más difícil componer. “He fracasado en mi vida”, escribió en un momento de depresión, “no soy uno de los grandes compositores. Todos ellos produjeron enormemente. Pero yo he escrito relativamente muy poco, y con muchísima dificultad”, artista que terminó siendo un “prisionero de la perfección”.

• El de Ravel es un arte ultrapulido. Su delicado sentido de la proporción. Sus emociones se hallan controladas por el intelecto. Par él, el arte era la belleza creada, y por consecuencia compuesta de artificio: el espejo que reflejaba su percepción de la realidad, antes que la propia realidad.

• Stravinsky lo llamó un relojero suizo. El propio Ravel dijo “Yo hago logaritmos; es cosa suya comprenderlos”. Ravel en el fondo fue un romántico. Por esta razón representó tan idóneamente la orientación clásica, que en Francia siempre ha sido más fuerte que la romántica. De todos modos, sus manifestaciones acerca de la música durante sus últimos años revelan claramente los orígenes románticos de su arte.

• “Siempre he sentido que la gran música debe provenir del corazón. Cualquier música creada sólo mediante la técnica y el intelecto, no vale el papel en el que está escrita. El compositor debe sentir intensamente lo que compone”

• Ravel es a Debussy, en cierto modo, lo que Cézanne es a Monet. Era un posimpresionista. Como a Debussy, a Ravel lo atraían las escalas de la música medieval y exótica. Su imaginación, como la de Debussy, respondía a títulos pictóricos y poéticos como un estimulo a la creación. A ambos los atraían los mismos aspectos de la naturaleza: el juego del agua y de la luz. Ambos utilizaron ritmos de danza exóticos, especialmente de España, y se inclinaron hacia lo fantástico y lo antiguo.

• Tanto Debussy como Ravel, estaban bajo la influencia del estilo puro de los clavecinistas francesas: Ravel rindió homenaje a Couperin, tal como Debussy lo tributó a Rameau. También tenían afinidad por los poetas simbolistas.

• Hay que destacar que Ravel fue un magnifico orquestador. Un ejemplo: “Cuadros de una Exposición” de M. Mussorsgky (1839-1881).

• La lectura de los sesenta y cinco pequeños poemas en prosa, escritos en 1830 por el poeta romántico Aloysius Bertrand (1807-1841), hechiza al compositor, que decide ilustrar tres de ellos, trabajo que, según su propia confesión, sólo logra <después de largos meses de gestación> ( de Mayo a comienzos de Septiembre de 1908).

• La primera ejecución pública tiene lugar en París el 9 de Enero de 1909, en la Sociedad Nacional de Música (sala Erard), con Ricardo Viñes al piano. La publicación es de ese mismo año en la casa Durand.

Gaspard de la nuit (Gaspard de la noche)

• Gaspard de la nuit: cumbre pianística de Ravel, y una de las más grandes páginas del siglo XX. Designado por Ravel como <Poemas para piano>. Dedicada a los pianistas Harold Bauer (la 1ª) y Rudolf Ganz (la 3ª) y al crítico musical Jean Marnold (la 2ª).

1. Ondina: <¡Escucha, escucha! Soy yo, Ondina, que roza con sus gotas de agua los rombos sonoros de tu ventana iluminada por los mortecinos rayos de la luna…> Es el canto de la seductora de las aguas que el poeta, que ama a un mortal, no escucha. Entonces, <la enojada y despechada Ondina derrama algunas lágrimas, deja estallar después una risa y se desvanece en un aguacero…Comienza con una efusión melódica sobre un lento trémolo de fusas (en 4/4) que se derraman con una perfecta igualdad en un velado segundo plano, indicado ppp, de la mano derecha acompañante. La Ondina canta tiernamente (muy dulce y expresivo) con una indecisión tonal que crea el hechizo. Insiste en un crescendo apasionado, suplica en el sordo rugido de los bajos (tempo: animado”). Después en un brusco decrescendo, la visión del encantamiento desaparece en medio de un chaparrón de arpegios.

2. Le Gibet (La Horca): <Es la campana que suena en las murallas de la ciudad, bajo el horizonte y el esqueleto de un ahorcado que enrojece el sol de poniente>…Cincuenta y dos compases construidos lentamente, <sin apresurarse ni retardarse hasta el final> (indicaciones de Ravel) alrededor de una obsesionante nota pivote, un pedal interior de si b (que suena ciento cincuenta y tres veces) <cuyas vibraciones sincopadas chocan lastimeramente con la impasibilidad de un ritmo plúmbeo (machacón, cargante, pesado)> (Alfred Cortot).Superposición de dos atmósferas <expresionistas<, la de la lúgubre campana que solloza obstinadamente y la de la queja desesperada del <ahorcado que lanza un suspiro sobre la horca patibularia>. Dos estados de conciencia sonora que se encabalgan en medio de armonías disonantes, en agregados de séptimas y de novenas, con el trágico espanto de la muerte. Domina el matiz pianissimo.

3. Scarbo: Scarbo es el nombre de un gnomo surgido de visiones de pesadilla…<¡Cuántas veces no he escuchado su risa en la sombra de mi alcoba y el rascar de su acerada uña en la seda de los cortinajes de mi lecho! ¿Cuántas veces le he visto descender al suelo, hacer piruetas sobre un solo pie y rodar por la habitación como el huso que cae de la rueca de una bruja>. Esta pieza, virtuosa y demoníaca, es un scherzo en el que se distinguen dos temas principales, aunque hay motivos adyacentes que nacerán en la trama sonora de la pieza. Ay que señalar especialmente los espantosos tumbos de ritmo, las sucesiones, en ásperas y chirriantes disonancias, de las segundas mayores, la abundancia de calderones, y más que nada la persecución de sonoridades extraordinarias, casi orquestales.

• Intérprete: Vlado Perlemuter (pianista francés de origen polaco 1904 - Ginebra 2002), piano.

E. Granados: Goyescas

• Enrique Granados (Lérida) 1867 – (Canal de la Mancha) 1916 (Granados y su esposa murieron en el torpedeo de un transatlántico por un submarino alemán en la 1ª guerra mundial).
• Estudió el piano en Barcelona con Juan Bautista Pujol y la armonía y la composición con Felipe Pedrell, prosiguió sus estudios en París con Charles W. Bériot.

• Granados es a la vez un representante rezagado del romanticismo español (con influencias de Chopin, Schumann, Grieg), creador del movimiento musical contemporáneo y de una importantísima escuela de interpretación pianística.

• Se le asigna con frecuencia la etiqueta de “nacionalista”, Granados (como hacen muchos compositores) utiliza unas veces el folklore literalmente, lo “recrea” parcialmente en otras y en ocasiones se lo inventa.

• En 1900 fundó en Barcelona la Sociedad de Conciertos Clásicos y un año después, la Academia Granados (continuada por uno de sus discípulos Frank Marshall) destinada a la enseñanza del arte pianístico.

• Goyescas: Esta colección fue estrenada por el compositor en Marzo de 1911. A las seis piezas originales, se le añadió una séptima, El Pelele, que normalmente se intercala en quinto lugar. Inspiradas en los cuadros y tapices de F. de Goya (1746-1828), fueron subtitulas probablemente “Los Majos Enamorados”.Es la evocación de una España galante y frívola lo que se “visualiza” en cada una de estas piezas en forma de escenas de comedia. Él mismo decía: <Quisiera dar en Goyescas una nota personal, una mezcla de amargura y de gracia y desearía que ninguna de sus fases no primara sobre las demás en atmósfera de refinada poesía…El ritmo, el color y la vida claramente española, la nota sentimental, unas veces repentinamente amorosa y otras dramática y trágica, tal y como aparece en la obra de Goya>

• Goyescas:

• Los Requiebros: pieza llena de ornamentos y arabescos, de espíritu galante y posee el sabor de las tonadillas, aquellas melodías que utiliza Granados y en las que se inspiran dos motivos, muy variados, sobre la base rítmica de una jota.

• Coloquio en la Reja: <todos los bajos imitan a la guitarra>, precisa el compositor en esta conversación amorosa en la que intervienen la voz masculina y femenina. Clima doblemente instrumental y vocal. Fuego, exaltación, sentimentalismo o resignación.

• El Fandango del candil: Granados indica <escena cantada y danzada>, pero la danza es lo que prima y parte esencialmente de la tonadilla las Currutacas (presumidas) modestas, con sus ritmos ásperos, obstinados. Las sonoridades de la guitarra están omnipresentes junto a los sonidos de las castañuelas, producidos por el corte percusivo de los tresillos.

• Quejas o la Maja y el Ruiseñor: Granados creyó necesario precisar el clima emocional de la obra: <Con los celos de una mujer y no con la tristeza de una viuda>. La expresividad de sus notas ornamentales (grupetos, mordentes) que cuentan la “queja” de la maja. Saber escuchar el murmullo de la noche, sentir los perfumes. Ricamente armonizada, concluye con los trinos de ruiseñor que responde a la enamorada.

• El Amor y la Muerte: es una balada en la que dominan los acentos dramáticos con la indicación “Molto expresivo e come una felicitá nel dolore” (Muy expresivo y como una felicidad en el dolor). Triste y obsesiva (un poco repetitiva), sombríos acordes que significan las trágicas sentencias de la Muerte. Las sonoridades de campanas, ahogadas, señalan el término de esta pieza.

• Serenata del espectro (Epílogo): un Allegretto que toma, sobre cortados acordes en staccato, el ritmo de una copla. El espectro, un galán muerto en duelo, vuelve a cantar bajo las ventanas de su amada una serenata de venganza que recorren los fantasmales de su difunta pasión. Una evocación misteriosa e inquietante.

• El Pelele: los sobresaltos del pobre muñeco de trapo (cuadro de Goya) que salta en el aire se traducen con irónica gracia (notas veloces, octavas alternadas), de nuevo brilla la Tonadilla (Canción que nació en los tablaos madrileños a comienzos del siglo XVIII. Su temática era, o amorosa, o una sátira política), y el virtuosismo y alarde técnico toman aquí las riendas de esta página llena de bravura, brío y efecto luminoso que la convierte en el exponente más claro de la madurez de Granados.

• Intérprete: Rosa Sabater (Barcelona 1929 – Madrid (accidente de avión) 1983), piano.